Il a fallu beaucoup de temps à Bess Wohl pour écrire ce qui allait devenir Libérationsa pièce acclamée qui a débuté la semaine dernière à Broadway. Après tout, elle a commencé à réfléchir à quelque chose sur le mouvement de libération des femmes des années 1970 il y a environ 20 ans.
« J’ai essayé de résoudre ce problème, non pas pour des raisons politiques, mais pour des raisons personnelles, pendant la majeure partie de ma vie d’écrivain », a-t-elle déclaré lors d’un récent appel Zoom.
Maintenant Libération existe dans un monde qui, à bien des égards, a régressé de manière choquante avec le renversement de la Roe c.Wade et la montée de la « culture des femmes trafiquantes ». Les circonstances rendent le travail plus urgent que jamais. Pourtant, la production ne prétend pas expliquer où nous en sommes actuellement. Au lieu de cela, il s’agit d’un regard profondément inquisiteur sur la façon dont nous en sommes arrivés là.
La pièce s’ouvre avec une narratrice (Susannah Flood) s’adressant directement à la foule, expliquant qu’elle va raconter l’histoire de sa mère, Lizzie (également jouée par Flood), qui a lancé un groupe de sensibilisation dans le sous-sol d’un centre de loisirs de l’Ohio. La réalisatrice Whitney White nous invite dans cette pièce et nous rencontrons les femmes rassemblées – parmi elles, une femme au foyer désillusionnée par sa vie (Betsy Aidem) ; une femme qui prend soin de sa mère malade tout en écrivant un livre sur le féminisme radical (Kristolyn Lloyd) ; une immigrante italienne mariée avec la carte verte (Irene Sofia Lucio). Mais Flood sort souvent de l’action pour la commenter et nous ramener dans le présent, suscitant en cours de route des questions allant de « qu’est-ce qui n’a pas fonctionné ? » à « le mariage est-il un acte de trahison ?
Les façons dont Libération traverse le temps et rompt avec les conventions théâtrales, notamment en faisant jouer plusieurs rôles à ses acteurs, ce qui en fait une sorte de tour de magie qui devient cathartique, non seulement pour les personnages sur scène, mais pour le public. S’adressant à TIME, Wohl a expliqué comment elle a finalement défini le récit et ce qu’elle fait des conversations intimes que la pièce suscite.
TIME : Qu’est-ce qui vous a donné envie d’écrire ceci ?
Wohl : Parce que ma mère travaillait chez MS., J’ai grandi imprégnée des idées du féminisme de la deuxième vague et de la libération des femmes. Et je les aimais. J’adorais m’asseoir par terre dans son bureau sous une affiche géante de Wonder Woman pendant que je pouvais l’entendre claquer et avoir un petit panier de jouets avec lequel je pouvais jouer. En vieillissant, le monde a changé, mais j’ai aussi commencé à entrer en contact avec certaines de ces idées de manière personnelle. Je me suis marié. J’ai eu des enfants. J’ai essayé de faire carrière et d’être pris au sérieux. Tout d’un coup, j’ai commencé à expérimenter ces idées dans ma propre vie : « Qu’est-ce qui était correct, qu’est-ce qui n’allait pas, qu’est-ce qui a été laissé de côté ? Est-ce réellement pratique ? »
Quel a été votre rapport à la deuxième vague féministe ? Il a acquis une mauvaise réputation au fil des années.
Je ne voulais rien laisser de côté dans la pièce. La pièce a du mal à tout contenir, tout en sachant qu’il est impossible de tout contenir. L’une des choses que j’aime faire lorsque j’écris une pièce, c’est me fixer une tâche impossible et ensuite montrer aux gens ma tentative. (Quand j’ai grandi), nous parlions du fait que les garçons et les filles étaient complètement pareils. Vous pouvez faire tout ce qu’un garçon peut faire, et en fait, votre sexe n’a pas vraiment d’importance. j’ai écouté Libre d’être… toi et moi en répétition. En grandissant, surtout en devenant mère, j’ai appris que, comme le dit le personnage de Betsy Aidem dans la pièce, les attentes et les règles ne sont pas égales et ne le seront jamais. Cette phrase suscite des applaudissements certains soirs parce que je pense que les gens le comprennent désormais d’une manière différente.
Comment avez-vous compris ce que serait la pièce ? Parce que la structure est si unique. Il s’agit d’un jeu de mémoire qui n’est pas réellement un souvenir puisque la narratrice est la fille de la femme dont elle raconte l’histoire.
Une fois que j’ai présenté le narrateur, toute la pièce s’est ouverte à moi. J’avais commencé à penser qu’il s’agirait de ce groupe de femmes des années 70 essayant de changer le monde. Il s’agit de cela dans une certaine mesure, mais c’est aussi maintenant en conversation directe avec aujourd’hui à cause de ce personnage qui va et vient dans le temps et qui joue en fait sa propre mère. Une grande partie de ma vie était une conversation dans ma tête pour savoir si j’allais ou non devenir ma mère. Ma mère était aussi écrivain. J’ai dû devenir actrice pendant un petit moment parce que je n’allais pas devenir ma mère. Le fait d’avoir un personnage qui incarne physiquement un combat qui me trottait dans la tête depuis si longtemps m’a semblé vraiment puissant.
Dans quelle mesure la régression que vivent les femmes à ce moment-là a-t-elle influencé la pièce ?
Je pense que j’aurais écrit la pièce de toute façon. C’était une histoire personnelle. Je n’aurais pas pu imaginer à quel point les droits des femmes seraient menacés dans le monde actuel. Cela n’a fait qu’accroître l’urgence et affecter profondément la façon dont les gens reçoivent la pièce. C’est comme si le public arrivait prêt à recevoir et prêt à s’exprimer.
Quand j’ai vu la pièce, une femme dans le public a en fait consolé le narrateur lorsqu’elle a mentionné sur scène que sa mère n’était plus en vie. Comment avez-vous vécu la réaction du public ?
J’ai également observé ces choses. Les gens sentent qu’ils ont un intérêt dans ce qui se passe et qu’ils ont la permission de se présenter de cette manière. C’est quelque chose que j’aurais aimé qu’il se produise davantage au théâtre. Le quatrième mur peut vraiment être une chose triste parce qu’en fin de compte, nous sommes tous ici, en communauté. C’est le but du théâtre. Nos corps sont ensemble dans l’espace en ce moment, sans vouloir devenir poétiques, mais cela ne se reproduira plus jamais comme ça. Créer une pièce qui semble si vivante aux yeux des gens qu’ils doivent s’asseoir et que leur voix soit également entendue dans l’expression de celle-ci, c’est vraiment incroyable pour moi.
Quel a été votre processus de recherche au-delà de votre expérience personnelle ?
J’avais consulté de vieux périodiques et fait un large éventail de lectures. Mais ce qui a vraiment fait éclater la situation, c’est de commencer à parler aux femmes qui étaient actives lors de la deuxième vague, en particulier aux membres d’un certain groupe de sensibilisation. Je parlais à une personne, puis elle me disait : « Oh, tu dois parler à mon ami untel. » Cela m’a permis d’être très précis sur qui étaient ces femmes, au-delà de ce que l’on peut lire dans un livre. Ce sont leurs voix qui ont commencé à s’activer dans mon esprit. J’étais en conversation avec eux et j’avais l’impression que cela me donnait la permission d’écrire la pièce parce que tout d’un coup je me sentais ancré dans une authenticité différente.
La pièce est très explicite sur vos propres limites en tant que femme blanche racontant cette histoire. Comment avez-vous abordé cela ?
C’est un domaine où la recherche m’a vraiment aidé. L’une des femmes vers lesquelles ce groupe m’a orienté s’appelait Celestine Ware, une écrivaine féministe noire décédée, mais qui m’a fourni quelques idées fondamentales et m’a aidé à comprendre le personnage de Celeste, joué par Kristolyn Lloyd. Être ancré dans le réel m’a donné un sentiment de permission que je n’aurais peut-être pas eu autrement.
La forme de la pièce s’attaque très ouvertement à ce problème dans la mesure où elle permet aux acteurs de se mettre dans la peau de plusieurs personnages. Ce langage théâtral demande quelles sont les limites de l’identité et pouvons-nous un jour les surmonter. Le but était de créer cette représentation tout en étant honnête sur les limites de ma propre compréhension. Une chose que j’aime que Whitney ait faite dans la direction de la pièce, c’est qu’elle a gardé Susannah Flood sur scène tout le temps. Le fait qu’il s’agisse de son rêve fébrile est lié à la façon dont cela est présenté.
Au début du deuxième acte, les femmes apparaissent toutes nues et discutent de leur corps. Comment est-ce arrivé ?
Cela est revenu de mes conversations avec ces femmes et des écrits vers lesquels elles m’ont orienté. J’ai juste senti que c’était une partie vraiment importante du travail et de leur héritage. Je savais que ce serait risqué, que cela choquerait certaines personnes et que nous devions faire avec beaucoup de soin, de réflexion et d’intentionnalité. Cette scène où les femmes sont nues sur scène mais ne sont pas sexualisées me semble vraiment importante. Les corps des femmes peuvent ainsi exister dans l’espace. Nous pouvons être des sujets, pas des objets, et voilà à quoi cela ressemble, et public, vous allez en être témoin maintenant.
En raison de la scène de nu, les spectateurs doivent ranger leurs téléphones dans des pochettes Yondr, qui sont verrouillées pendant toute la durée du spectacle. Cela vous permet vraiment de vous connecter avec la pièce.
Je n’aurais jamais pu imaginer que ce serait l’une des choses les plus libératrices de voir cette pièce, n’est-ce pas ? Nous allons vous libérer de cette technologie, qui, honnêtement, est une véritable perte de temps pour tant de gens. Cette pièce consiste à avoir une conversation profonde et véridique. C’est ce qui se passe entre les femmes et, espérons-le, c’est ce que cela provoque chez le public après leur départ. Ranger votre téléphone fait donc partie de cette expérience. J’ai entendu des membres du public dire que les conversations qu’ils pouvaient avoir même pendant l’entracte sans leur téléphone étaient vraiment uniques et profondes pour eux.
Quelles ont été les réactions les plus surprenantes que vous ayez entendues ?
Je pense que beaucoup de gens quittent cette pièce en disant qu’ils veulent appeler leur mère, ou qu’ils veulent revenir avec leur mère, ou que cela les a amenés à réfléchir à leur relation avec leur mère d’une manière différente. C’est vraiment magnifique que la pièce puisse réellement créer une étape d’action très personnelle. D’autres personnes rentrent chez elles et voient leur relation avec leur partenaire d’une manière différente. Cette pièce peut pénétrer les murs des foyers des gens et leurs expériences personnelles de manière très intime. Bien sûr, cette pièce pose beaucoup de questions politiques, mais la véritable surprise est l’intimité des réponses.
Cela a-t-il transformé votre façon de concevoir votre relation avec votre propre mère ?
C’est vrai, d’une certaine manière, parce que l’une des nombreuses questions soulevées dans la pièce est de savoir s’il est possible de voir – maintenant je vais devenir ému – s’il est possible de voir votre mère comme une personne au-delà du rôle qu’elle a joué dans votre vie. En repensant à cette époque, penser à ma mère en tant que jeune femme, juste au début de la vie, est quelque chose que j’ai pu vivre et vraiment vivre d’une manière différente. Betsy Aidem dit dans la pièce : « J’aurais peut-être dû vous montrer davantage qui j’étais. » Bien sûr, c’est très difficile en tant que maman. Je suis moi-même maman maintenant et j’ai trois filles. Est-ce que je leur montre trop ? Est-ce que je ne leur montre pas assez ? Me verront-ils un jour comme quelque chose au-delà de maman, et devraient-ils le faire ? Pouvoir voir toute l’humanité de ma mère et réfléchir à ses choix de vie de cette manière a été vraiment transformateur pour moi et pour notre relation.
